Paul Gray fue encontrado muerto por un empleado en un hotel en Iowa, Estados Unidos

A pesar de que la policía ha asegurado que se llevará a cabo una autopsia, todo indica que la muerte de Paul Gray, bajista y miembro fundador de la banda de heavy metal Slipknot, ocurrió sin la intervención de terceros. El cadáver del músico de 38 años fue encontrado por un empleado del hotel donde se encontraba, en las afueras de Des Moines, Iowa, el lunes por la mañana.
Famosa por las llamativas máscaras que llevaban sus integrantes, Slipknot se formó en 1995 en la misma localidad donde fue encontrado Gray, y de donde provenían casi todos sus miembros. Cada uno de los nueve integrantes del grupo tenía asignado un número por el que se referían sus compañeros; el bajista y cofundador era el dos.

“El heavy metal ha perdido un inmenso talento”, ha declarado Neil Portnow, presidente de los Grammy, premio que la banda ganó en 2006 por su canción Before I forget, a la BBC. “Los leales seguidores de Slipknot se asegurarán de que su música y él sean recordados en los años que vienen”.

El álbum más reciente del grupo, All I hope is gone, del año 2008, logró posicionarse en los primeros puestos de las listas de popularidad en Australia, Estados Unidos, Nueva Zelanda, Austria, Finlandia, Suecia y Suiza.

Fuente: El País

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Fue la primera intérprete negra que firmó un contrato de larga duración con un estudio de Hollywood, en 1942

El jazz y la industria cinematográfica de EE UU ha perdido esta madrugada a uno de sus primeros iconos. La actriz y cantante Lena Horne ha muerto en un hospital de Manhattan a los 92 años. Aunque obtuvo sus mayores éxitos como cantante fue también la primera actriz en firmar un contrato con un gran estudio de Hollywod, en concreto con la MGM en 1942.

Horne empezó como corista en el mítico Cotton Club de Harlem, en una época en la que los negros podían actuar pero no entrar como clientes, convirtiéndose en una de las primeras artistas negras contratada por una orquesta de músicos blancos de renombre. Alcanzó su mayor éxito con Stormy Weather  , en 1943, pero fue víctima de la discriminación racial reinante esos años en la industria y se convirtió en uno de los principales puntales de la lucha a favor de los derechos de la comunidad afroamericana. Rechazó cantar en locales donde se ejercía la segregación racial y sus protestas, apoyadas por varios compañeros de profesión como Humphrey Bogart, hizo que fuera incluida en la llamada “lista negra” de Hollywood en los años 50 elaborada por el .

La propia Horne relató en muchas ocasiones que su color de piel condicionó su vida desde la niñez. En su barrio la rechazan por tener un color demasiado claro, era hija de afromericano y nativa americana, y en Hollywood todavía faltaba mucho para que una actriz negra compitiera en igualdad de condiciones con sus compañeras de piel blanca. El diario The New York Times destaca en su obituario de la actriz que Horne era una auténtica estrella pero que nació con “50 años de antelación” .

Sus actuaciones en los musicales en los que intervino en los años 40 y 50 se ajustaban a lo que se esperaba que hiciera una actriz negra e incluso perdió ante Ava Gadner el papel protagonista en el filme Show Boat (1951).

Con el paso de los años, Horne fue dejando de lado su carrera en el cine y desarrolló una destacada trayectoria musical y teatral en Broadway, donde obtuvo varias nominaciones a los premios Tony. En 1980, protagonizó el espectáculo teatral The Lady and Her Music (La dama y su música), que permaneció casi un año en la cartelera de Broadway. Su despedida del cine fue interpretando a la Glenda, la bruja buena del El mago, la fallida versión de El Mago de Oz protagonizada por Michael Jackson.

Fuente: El País

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1. Murió el compositor y cantante estadounidense Isaac Hayes

Es difícil que escuchemos alguna vez mejor tocado el Andantino de Clara Wieck, esas maravillosas variaciones que Schumann concibió para la sonata núm. 3. Interpretándolas, Grigory Sokolov consiguió tal grado de tensión que casi producía dolor en el oyente. Cada variación abría un mundo distinto y, a la vez, secretamente conectado con el que revelaban las demás. La imagen, casi corporal, de Clara Schumann, y de todo su contexto, cronológicamente tan lejano a nosotros, se abría paso en el año 2010. La música se movía, por arte o por milagro, como una flecha que iba directamente desde el compositor al público. Una flecha que necesitaba, por supuesto, un arquero. Un pianista, Sokolov en este caso.

El dominio que tiene del instrumento es enorme, aunque quizá su mayor virtud radique en esa inefable capacidad para la transmisión de la música, para que el oyente perciba el latido más íntimo del compositor. Es famoso, pero no todo lo que debiera. No ensaya poses ni cuenta su vida privada. Solamente toca el piano. Como pocos. Sin embargo, no es eso lo que más vende. Esta vez, las entradas no se habían agotado.

La sonata núm. 3 de Schumann se situó en el cenit de la que, sin duda, ha sido la sesión más interesante y más conmovedora de la temporada. Una sesión donde se abordó también la Partita núm. 2 de Bach y la Fantasía op.116 de Brahms. El pianista ruso no sólo resolvió los problemas técnicos, difíciles en todas ellas, sino que lució otras muchas cosas: esa mano izquierda tan acariciadora como penetrante en Bach, esos fieros acordes que inician el op. 116, ese fraseo libre donde se desvanecen las barras de compás (Intermezzi de Brahms)…

Después, cuando casi no se podía ya resistir el embate de tanta sabiduría y tanta belleza, regaló al público no una ni dos, sino seis propinas de Chopin. Es esta la tercera vez que Sokolov viene al Palau (antes, en 2002 y 2006), y en todas sus visitas ha contribuido a que el término “intérprete” recupere la más noble y profunda significación.

ROSA SOLÀ

Fuente: El País

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Sonido bello y transparente, equilibrio entre refinamiento orquestal e inspiración popular y una vitalidad contagiosa. La flamante integral de las 12 sinfonías londinenses de Franz Joseph Haydn que Marc Minkowski (París, 1962) firma al frente de Les Musiciens du Louvre-Grenoble (editadas por Naïve) es una fuente de sorpresas, un nuevo ejemplo del estilo vital, fresco e imaginativo que caracteriza las interpretaciones del infatigable director francés. La curiosidad musical de Minkowski no conoce límites. Cuando no dirige su propio conjunto, Les Musiciens du Louvre-Grenoble, uno de los conjuntos de referencia en la interpretación del barroco y el clasicismo con instrumentos de época y criterios históricos, explora repertorios más modernos como director invitado. Actualmente mantiene una estrecha relación con la Sinfonía Varsovia y actúa cada vez más a menudo con orquestas sinfónicas. Sin ir más lejos, ha dirigido este mes en Valladolid la Sinfónica de Castilla y León -con obras de Paul Dukas, Ernest Bloch y la popular Scheherazade de Nicolai Rimski-Korsakov en los atriles- y el próximo 14 de mayo se pone al frente de la Sinfónica de Barcelona i Nacional de Catalunya (OBC) con otro seductor programa integrado por la célebre Sinfonía número 3, Escocesa, de Felix Mendelssohn y la Sinfonía número 0, Nullte,  de Anton Bruckner. Lo dicho, un músico imaginativo e inquieto que huye de las etiquetas y planifica su carrera con saludable amplitud de miras.

¿Qué aporta Minkowski a las sinfonías de madurez de Haydn? Pues, a pesar de la fuerte competencia discográfica, con versiones para todos los gustos a cargo de las más célebres batutas, aporta un soplo de aire fresco. Lejos de fiarlo todo a la tradición, destaca siempre los rasgos más originales y novedosos de su escritura. Haydn y Mozart son los cimientos más sólidos para construir un sonido orquestal de máxima calidad y su música es la mejor medicina para curar los excesos románticos: nada mejor que una saludable inmersión en el clasicismo vienés y sus probadas virtudes -equilibrio, elegancia y transparencia sonora- para obtener un sonido orquestal de gran pureza. Lo sabe bien Minkowski, que sigue el ejemplo de músicos también formados en el barroco, como Christopher Hogwood o Frans Brüggen, a la hora de rescatar las esencias de Haydn.

No inventó la sinfonía, pero su aportación al desarrollo y primer esplendor del género es de tal calibre que se le considera, con justicia, el padre de la sinfonía: a lo largo de su apacible vida escribió 104 sinfonías, en un itinerario que abarca desde 1759 hasta sus últimos años. De hecho, el legado del familiarmente llamado Papá Haydn es la mejor enciclopedia del clasicismo vienés que pueda consultarse.

A diferencia de Mozart, apenas viajó -pasó su vida entre la corte de Esterházy y Viena-, pero ejerció una influencia decisiva en la transformación de la música centroeuropea de la segunda mitad del XVIII y acabó sus días siendo el compositor más respetado de Europa. Y en su inmenso legado, la serie de sus últimas doce sinfonías (números 93-104), creadas por encargo del violinista y empresario Johann Peter Salomon para ser estrenadas en Londres, donde cosechó grandes éxitos al final de su vida, son probablemente la cumbre de su arte sinfónico y en ellas se palpa la voluntad, plenamente conseguida, de seducir a los músicos y conquistar al público con un lenguaje lleno de innovaciones y sorpresas. Minkowski consigue una fluidez extrema y un sentido narrativo fuera de serie. Cada nueva sinfonía supone un avance y Minkowski disfruta otorgando su justo relieve a cada detalle instrumental, sorprendiendo al oyente con explosivos contrastes. Sabe dar el aire natural que requieren las danzas de inspiración popular que Haydn incorpora como nadie al lenguaje sinfónico y disfruta recreando las virtudes de una orquestación de milagrosa transparencia. Nunca baja la guardia y los músicos de su orquesta traducen sus lecturas con precisión, flexibilidad y belleza sonora.

JAVIER PÉREZ SENZ

Fuente: El País

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Ni una palma, ni un olé, ni un ay. El acercamiento del guitarrista Niño Josele al jazz en su último trabajo discográfico, Española (Warner, 2009), adopta también este formato en directo. Anoche lo presentó en el Teatro Lara, de Madrid, que llenó las alrededor de 500 butacas con admiradores y amigos como Fernando Trueba, productor del disco, o el también guitarrista Tomatito, almeriense como él.

En un formato poco habitual en el flamenco, Juan José Heredia, Niño Josele (Almería, 1974), no quiso tener al lado ni palmeros ni cantaor. No tenía tampoco un micrófono para que se escuchara su voz. Ni siquiera la puesta en escena seguía los cánones flamencos: ninguno de los músicos vestía chaqueta. La música de su nuevo disco fue la absoluta protagonista, para cuya interpretación se hizo acompañar por veteranos del jazz español como son Perico Sambeat (saxo soprano y saxo alto), Javier Colina (contrabajo) y Guillermo McGill a la batería, probablemente los jazzeros españoles que mejor entienden el flamenco. Ellos no participan en este trabajo discográfico, pero anoche no se notó.

La conexión entre los músicos fue total. Pese a haber elegido un formato jazz para la presentación, arrancó con la rondeña Camino de Lucía, su homenaje en este trabajo a Paco de Lucía, a quien acompañó durante cinco años en los escenarios. Lo hizo en solitario, demostrando por qué es uno de los guitarristas flamencos jóvenes más reconocidos. El almeriense tiene un toque limpio, rítmico pero no apresurado, que no necesita demostrar que es un virtuoso (aunque lo es) para emocionar. Con sus dos primeras interpretaciones, solo en el escenario, arrancó la primera ovación del público, que si bien asistió a la actuación en silencio dedicó varios olés y grandes aplausos a los artistas. Fue su único momento en solitario: ni en los saludos del final quiso acaparar los focos el guitarrista.

Niño Josele puso en escena todos los temas de su nuevo trabajo, y quiso dar espacio también a la improvisación y el lucimiento de sus acompañantes. Hizo un guiño a los maestros con unos compases limpios, armónicos y perfectamente ejecutados del Concierto de Aranjuez de Joaquín Rodrigo, que han interpretado antes otros flamencos como el maestro Sabicas o Paco de Lucía, pero también el músico de jazz Miles Davis en sus Sketches of Spain. También arrancó al contrabajo de Colina unos compases improvisados por tanguillos, que él marcó con su guitarra. El veterano contrabajista no se amedrentó y entró al envite con gracia y acierto, subiendo y bajando por las notas y marcando el compás.

La guitarra no fue la protagonista absoluta. Niño Josele quiso dialogar con sus músicos, cederles espacio para lucirse en solos de virtuosos, escucharles. El guitarrista disfrutó en el escenario como un asistente al concierto más, y lo dijo con una gran sonrisa en su saludo al público: “Estoy muy, muy contento de estar aquí, de verdad”.

Ángeles Castellano

Fuente: El País

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Nació en Jerez de la Frontera (Cádiz) en 1978. Dice que de pequeñita ya tenía lo suyo, que pensaba mucho y se hacía muchas preguntas. Una conversación con María,  Mala Rodríguez no deja indiferente. Tiene personalidad, evita las etiquetas y le profesa un respeto absoluto a la música. Desde su debú sorprendió por la calidad de sus rimas, ahora regresa después de tres años de silencio con un nuevo trabajo titulado Dirty Bailarina, un álbum que la artista califica como de ciencia ficción. Como de ciencia ficción es ella misma.

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Pregunta. Debe de estar muy ocupada, ¿no?

Respuesta. No, no tanto. Estoy tomándome un gazpacho.

P. ¿Usted por qué se llama Mala?

R. Creo que tengo una misión en este mundo y es hacer maldades. Cometer asesinatos y llevarme las culpas de todo. En serio, la cosa es que eso me lo decía mi tía cuando era pequeña. Y me apetecía tener un nombre de guerra y pensé que ese sería el mejor nombre. La mala siempre es más divertida que la buena.

P. Vamos, que tenía usted que ser bastante traviesa de pequeña.

R. Siempre he dicho lo que pensaba cuando era niña. Y lo más interesante es que pensaba bastantes cosas, me hacía muchas preguntas. No era una nena de esas que tipo la niña obediente o que dice que sí a todo o que no tiene ninguna duda de nada. Era todo lo contrario. Dudaba bastante y me hacía muchas preguntas y me gustaba darle la vuelta a todo. Y me gustaba darle la vuelta a todo.

P. ¿Por qué ha tardado tanto en volver?

R. Sí, mi anterior disco es de abril de 2007. Han pasado tres años. El tiempo pasa. Una cosa lleva a la otra… Cuando llevo tiempo creando, de repente me pongo a componer y las historias vienen a mí y todo ocurre, todo fluye. Pero hacer que todo eso entre en el proceso de producción, lleva su tiempo. Pero, realmente lo he hecho cuando ha fluido. No he tenido esa picardía de ponerme fechas o entrar en una línea de trabajo mucho más productiva o que hubieran podido ser más beneficiosas para mí.

P. Para alguien que no le haya escuchado nunca. ¿Usted qué es lo que hace?

R. Yo hago poesía encima de un ritmo musical. También introduzco melodías con mi voz y mi trabajo tiene un profundo mensaje. Soy una persona que no tiene pelos en la lengua. Tengo un compromiso muy grande con la raza humana.

P. Este nuevo vídeo es bastante cañero, ¿no?

R. Esta canción habla de desconfianza. De estos tiempos que vivimos llenos de malas intenciones. Nunca sabes de quién te puedes fiar, así que por si acaso hay que ir a lo tuyo y tirar millas. Me gustaba presentarme como una supervívora. Arranco quemando lo que para mí es todo eso: el vicio, la corrupción, las malas intenciones, toda la porquería. Pero, al final del vídeo hay sorpresa. Un símbolo de toda la xenofobia que se está levantando últimamente con el asunto de la crisis.

P. ¿Qué le parece la propuesta para que los manteros no vayan a la cárcel?

R. Me parece muy bonito. En todo lo que pasa en la vida hay algo positivo. Incluso lo más malo, lo más perjudicial, lo más terrible nos lleva a un sitio bueno si sabemos verlo. Como todo esto se transformará en una nueva historia y todo el mundo se sentirá bien con esta nueva historia. Pues mira, todo cambia. La industria musical antes movía cantidad de millones, la gente iba en jet privado, se gastaban cantidad de dinero y ahora está casi a punto de tocar la banca rota. Pero todo se reinventa y siempre es para mejor. Y la gente que está tratando de sobrevivir y está vendiendo música en la calle, pues qué bien, mejor que vendan música y no drogas.

P. Pero también hay gente que simplemente se lo baja gratis de Internet.

R. Eso es muy español. Es una cosa muy española. Siempre nos ha gustado tener las cosas gratis. Eso está en la conciencia de cada uno. Pero la música es la que gana. Pagues o no, al menos estás consumiendo música. Todo depende de los propósitos del artista cuando ofrece esa música. Sobre todo soy feliz si la gente escucha mi música sea como sea.

P. ¿De dónde le salen los poemas?

R. Yo creo que son los espíritus de los muertos que me acompañan y me dicen cosas al oído. He llegado a esa conclusión. De otro modo, no entiendo cómo puede pasar. Creo que las ideas están todas en el aire y hay gente que las atrapa.

P. ¿En qué cree?

R. Sobre todo creo en el amor. La máxima expresión de felicidad que pueda haber. Es por lo que estamos todos aquí.

P. Después de tres años ¿es usted más mala?

R. En el fondo sigo siendo La Mala. Hay una evolución. El mensaje cada vez es más nítido. Antes hacía fotografías del día a día, pero en este trabajo me he encontrado con unas canciones que están dando claves… Me gustaría que cada uno hiciera suya esa música.

MANUEL CUÉLLAR Fuente: El País

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El día se ha torcido de mala manera. Empieza a llover y la primavera se va por donde había venido. La buena noticia es que Jota ha decidido coger el coche desde Granada para plantarse por sorpresa en la entrevista junto a Florent Muñoz y Erik Jiménez, sus compañeros de Los Planetas, que andan promocionando Una ópera egipcia, el nuevo disco de una de las bandas más influyentes del indie español. Hoy decenas de grupos señalan aquel Súper 8 editado en 1994 como el origen de todo. Firmaron pronto por una multinacional, aunque el sonido, al menos, se mantuvo independiente. Pero son las 14.15 y si hay que hablar, sugieren, mejor comiendo.

El nuevo disco, en el que han trabajado durante un año y producen de nuevo ellos mismos, es una prolongación del anterior. Algunos temas que no cupieron entonces se han recuperado. Y sí, el aire flamenco de la Leyenda del espacio ha permanecido y empieza a ser una seña del grupo, que incluso toca en festivales del género. Enrique Morente y Antonio Arias (Lagartija Nick) se han pasado también por el estudio. “El flamenco es la música más cercana que tenemos. No vivimos en Nueva Orleans ni bebemos del blues. Vivimos en el Sacromonte. Y cuando vas creciendo te das cuenta de esas raíces”, explica Florent (guitarra). De hecho, el disco tiene un lejano tinte a rock andaluz, algo de lo que tampoco reniegan. “Bueno, es como el sonido Manchester, pero de Andalucía”.

Quizá fue para despistar, pero el primer título para el álbum fue Una obra de moros; luego Periodos de rotación, y para rematarlo, llegó El libro del universo. Nada, quedó en lo de ópera egipcia, que es un género del flamenco de los años treinta, “bastante denostado por los puristas, que piensan que sólo pueden hacer flamenco los gitanos”, señala Jota.

Una de las mejores piezas del disco, una revisión indie del típico dueto de Pimpinela, estaba pensada para cantarla con Christina Rosenvinge. Pero no cuajó. Y por esas cosas que pasan, la acabó interpretando La Bien Querida, una de las voces revelación de la música española y amiga del grupo. Y huele a hit.

La conversación se anima con la polémica del año: la crisis de la industria discográfica tradicional. “Los piratas no son los que descargan música, sino los que se llevan la pasta. Esos que cobran 60 euros al mes por una línea de ADSL. No se puede criminalizar a quien enseña la música que le gusta a sus amigos”, protesta Jota. ¿Soluciones? Cobrarle a las telefónicas, sugieren casi a coro. ¿Más giras? “No, eso es volver al juglar de la Edad Media”, contesta Jota. A la conversación se suman los chicos de la discográfica y Florent.

A Erik, el brillante y miope percusionista de la banda (fue el alma rítmica del Omega de Morente) parece que le importa bastante menos todo el asunto de las descargas. Tampoco es que el resto de la entrevista le volviera loco, la verdad. Lo que sí le sacó bastante de quicio fue su reciente paso por el festival de Austin (Texas). “Me parecía como el rancho de La casa de la pradera, como un Monopoly de granja. Es un buen negocio para el que lo haya inventado, porque las bandas no cobran”, explica. Parece que no volverá. Al menos, gratis.

DANIEL VERDÚ

Fuente: El País

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eLe De eMe es un joven grupo de pop-rock cuya trayectoria en el mundo de la música comienza en verano de 2008. La banda está formada por el vocalista Adolfo Robles, “Fito”, los guitarristas Pablo Luna y Héctor Casas, el bajista Ángel Aparicio y el batería Daniel Rodríguez. Tras unos difíciles comienzos en que eran conocidos como La Ley de Murphy se convirtieron en eLe De eMe.

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Su primera aparición en público en agosto de 2008 fue todo un éxito y empiezan a componer temas propios ya muy conocidos por sus fans como “Oye Niña”, “Eres tú” o “Desastre Corporal” inspirados por Fito y fabricados entre todo el grupo en el local de ensayo. eLe De eMe se ha ido consolidando como un importante grupo en Valladolid y Castilla y León con los conciertos ofrecidos en muchos escenarios recibiendo siempre una gran acogida tanto de público como de crítica. Amantes del directo y el contacto cuerpo a cuerpo con el público, abren la puerta a una infinidad de influencias que conviven en armonía en cada uno de sus temas consiguiendo hacer un pop-rock divertido y juvenil con melodías pegadizas.

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En abril de 2009 ganan el Premio Meta Volante del concurso Mescal grabando una maqueta de dos canciones, “Callejón sin salida” y “Vuelve”.

En agosto de ese año sale a la luz su primer disco titulado “Callejón sin salida” y compuesto por siete canciones.

Recientemente, han grabado en el Estudio Dalamix de Madrid bajo la supervisión de José Luis de la Peña, Director Artístico de Mescal un EP titulado “Ayer, Hoy, Mañana” producido por Plag y distribuido por Warner Music. El disco contiene sus 4 nuevas canciones entre las que se encuentra el single “Galway”.

Esperamos que tanto la presentación como la carrera del grupo y todos sus componentes sea todo un éxito.

¡A por ellos!

Fuente: Daniel Rodríguez

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